martes, septiembre 08, 2009
Sampledelica Rusa
Fue poco antes de Mayo del 2003 aproximadamente, ¿cómo es que lo recuerdo?, bien pues hace poco hice un “corte de caja” a las pertenencias acumuladas y me topé con el dummie de una revista que jamás publiqué, que edité junto con Roberto pero que por una u otra razón, mmm en realidad no fue por una u otra razón, hay una en particular por la cual no salió, pero de ello no haré mención en éste momento. En ésa revista encontré un texto titulado: “…”; así es, simplemente 3 puntos suspensivos intitulan un texto extraño pero bastante bueno, digno de un fanzine, y de eso nadie sabía más que el creador de dicho texto, Iván Monroy.
Iván coleccionaba fanzines, estudiaba matemáticas y le interesaban cosas como el performance o el net art y todas ésas cosas que a finales de los 90’s y principios de la década del 2000 causaban furor entre los pocos entendidos de ello en México. No voy a ahondar mucho en Iván, sobra decir que era un tipo bastante raro, incluso yo conocía personas que sin tratarlo de nada les desagradaba sobremanera. Bien pues por aquella época me invito a una fiesta que haría en su casa. Sin duda la fiesta menos concurrida a la que he ido hasta el momento, él y un amigo suyo aguardaban impacientes a sus invitados los cuáles, salvo yo, nunca llegaron. Recuerdo que no estuve demasiado tiempo en aquel lugar de la colonia Lindavista (al norte de la ciudad de México), pero si el suficiente como para escucharme 2 discos que me encantaron e introdujeron en mundos sonoros interesantísimos. Por un lado un compilado de la disquera alemana Morr music y todo aquel sonido que iba del idm, de los click n’ cuts al shoegaze, por el otro, un rarísimo disco construido a base de samples “The great flashing tracks from Iwona” de un ruso llamado Oleg Kostrow. La impresión que me causó este último fue muy fuerte, en primera creo que no conocía música contemporánea rusa, si acaso creía que los Leningrad Cowboys podrían ser lo más cercano a eso, ya luego me enteré que en realidad son de Finlandia. En segunda, el disco variaba en cuanto a texturas, ritmos, soniditos raros acá y allá, una fina pieza de artesanía, exótico, festivo, sexy, divertido, excesivo, demente, cómo una caricatura de ésas estilo Max Fleischer de los años 20’s; no por nada al estilo de Kostrow algunos le llaman Easy listening Cartoon, con ritmos y tópicos sonoros que tradicionalmente han sido abordados por géneros como el space age pop ó la música exótica, retrofuturismo puro en candyflip (si usted no sabe que es un candyflip, consiste en una combinación del alucinógeno lsd y el siempre fiestero mdma). Por supuesto conseguí tal disco y lo escuché y escuché, se lo ponía a todos mis amigos, simplemente estaba enamorado de ése disco creado en 1999. De inmediato me puse a buscar más discos de Олег Костров, o sea de Oleg Kostrow, pero no encontraba nada, aunque sospecho que más bien se debía a la ineficiencia de mis métodos de búsqueda, eso me desesperaba bastante, y ya a punto de abortar la misión, encontré en un site que Kostrow era miembro de una banda llamada Messer Für Frau Müller. Casi de inmediato localicé un disco de ésos Messer Für…, el disco al descargarlo venía con montones de simbolitos extraños, caracteres que mi computadora traducía como podía y de mala manera. E igual de mala manera tomé el hecho de que el disco (muchísimo tiempo después me enteré de que se trataba del Сеньоры Краковяки ó Senors Crakovajk, primer disco de los Messer Für Frau Müller de 1993) sonaba como a unos dead kennedys jugando con una máquina de electroshocks, una onda medio hardcore que no tenía en lo absoluto nada que ver con lo que yo esperaba escuchar. Y es que resulta que si bien Oleg Kostrow en efecto pertenecía a tal banda, ésta experimentó una larga travesía de cambios embarcándose en sonidos diferentes. De principios de los 90 a finales de la misma década, navegaron desde su natal San Petesburgo bajo ésa bandera punk hardcore experimental, pero luego voltearon a sonidos como el gabber e incluso el drum n’ bass mismo que habría de exhibirse en un disco como el Icicle-Murderers de 1997; pero a partir de su disco llamado Second Hand Dreams del año 2000, Kostrow y la otra mitad de los Messer Für Frau Müller, Oleg Gitarkin; mutan al gusto por la psicodelia, bombardeos de sampleos de películas de serie B y programas televisivos así como de beats 60’s ó remates de drum n bass, al mondo surf y la visión post easy listening. ¿Cuál es la razón de éste cambio?, es evidente que el The great flashing tracks from Iwona es el año 0, el punto de partida para ésta gran movimiento, para ésta gran Sampledelica! Rusa. Pues bien, Oleg Kostrow a la par de su proyecto musical Messer Für…, incursionaba también en crear espectáculos teatrales y de performance, así es como conceptualizó Iwona. Un cuento de hadas que debía ser interpretado por niños, que a su vez se enriqueció con la colaboración del diseñador ruso Bartenew, quién con sus coloridos y divertidos trajes vistió aquella representación. La música de the great flashings tracks from Iwona es en realidad la pista sonora que Kostrow interpretaba en vivo durante ésas representaciones teatrales, que incluso traspasaron las fronteras rusas para presentarse en Londres. La idea para musicalizar Iwona, era componer piezas que resultarán hermosas, divertidas, graciosas, espectaculares como debía sonar un disco dentro de un gran cuento de hadas, así que selecciona ritmos como el disco, mambo, la psicodelia, salpicando aquí y allá de sampleos juguetones que no interrumpieran la progresión de la representación, sino crearan una dimensión extra dentro de la misma. Y vaya si lo logró, la construcción sonora es tan sólida, que funciona bastante bien independiente de la representación teatral, se editó y de inmediato en 1999 revistas como la alemana Flyer comentaba que un tema como “Der sack und das messer” era el comienzo de un nuevo “hype”, anunciaba un futuro prometedor para la música del este de Europa. Las colaboraciones entre Bartenew y Kostrow no cesarían, Bartenew diseñaría un espectáculo para el London's Royal Festival Hall en el cual requiere de la música de Kostrow, quien compone Snow Queen (en honor al cuento de H.C. Andersen). Snow Queen es una apuesta sonora mucho mas grande, el universo sampledélico de las composiciones de Kostrow ahora se agranda con los sampleos a piezas de música clásica de compositores rusos como Prokofiev, elevando al cubo los grados de histeria, caos y grandilocuencia de su música, pero también anclándola a una raíz profundamente rusa. Esto se recopilaría en el disco del año 2000 Snow Queen / Overflashing Tracks From Iwona, que también compila tracks que no habían entrado en el the great flashings tracks from Iwona, o bien, tracks re trabajados, y cuya visión estaba puesta más en que fuesen escuchados en un club que en la comodidad de tú sala.
Second Hand supone entonces un disco en el cual los Messer Für Frau Müller inserta todo ése nuevo sonido adquirido por Kostrow durante su trabajo en solitario, quién ya para ése entonces se le consideraba un maestro en el arte del sampler, que habría de reiterar una y otra vez al entrar en un periodo tan prolífico que se reflejo al editar durante ése mismo año 2000 los discos Гипер Утесов (que podríamos traducir como high rocks) y Allo! Superman (2000) dentro del cual no es de extrañar que el primer track del disco se llame hypnotyzed snow men, estableciendo cierta continuidad con el ya mencionado snow queen que creó en solitario y sobretodo teniendo el ojo clavado en hacer piezas bailables, excéntricas, grandiosas, como un kosako borracho jugando a poner los mejores 20 segundos de todas las canciones que le gustaran. Si a esto le sumamos la imaginería y el amor de Oleg Gitarkin a las películas de ciencia ficción, el surf de terror, el enamoramiento que tiene Gitarkin para con los tamborazos sesenteros, la combinación fue al 100% explosiva, todo ése caos centrado en la pista de baile, en volverte loco sin que puedas dejar de bailar.
Quizá el desborde creativo de Kostrow animó y aceleró el proceso de Gitarkin, tanto en Second Hand, cómo en Гипер Утесов y Allo! Superman, se escucha una conexión intrínseca con el trabajo en solitario de Kostrow de sus discos Snow Queen y the great flashings tracks from Iwona, por lo que es fácil asumir que son discos detrás de los cuáles hay más de Kostrow que de Gitarkin, se escucha cierto dominio estilístico de parte de Kostrow. Y es eso lo que podemos asumir forza las circunstancias para que Gitarkin trabaje y ése mismo año edite el primer disco de la que hoy es una de las bandas más célebres de Rusia, Messer Chups. Vamp Babes disco del año 2000 da rienda suelta a la imaginería de terror psicodélico que tiene Gitarkin en la cabeza, conectado directamente a las películas de serie b, a los riffs de guitarra surf y los acordes de moog sesentero, con tracks de estructura menos variable que las realizadas por Kostrow, por decirlo de alguna manera, con estructuras más convencionales, menos laberínticas. Sobra decir que por todo lo anterior el año 2000 es sumamente productivo para el dueto Kostrow-Gitarkin, tanto en proyectos personales como en su proyecto en conjunto, los catapultó, en particular a Guitarkin a acercarse a la escena alemana underground, dónde finalmente obtendrá reconocimiento y sobretodo muchísimo fanáticos.
De entonces a la fecha Kostrow y Gitarkin han mantenido una producción individual interesante, Kostrow creó entre otros discos como Imago (2002), lego for 4 (2003), America (2006) en dónde mapea sonoramente a los estados unidos, desde el hip hop ó break dance a la música de caricaturas de los años 30. Mientras que Guitarkin y sus messer chups han mantenido la línea en producciones como Black Black Magic (2002), Heretic Channel (2009?) , messer chups ha funcionado como un grupo, dentro del cual las alineaciones han ido variando, salidas e incorporaciones a la banda, dentro de las cuales sin duda la más importante es que desde … como parte de los messer chups se ha integrado Lidya Kavina, una de las mejores intérpretes de Theremin en el mundo, quien además es nieta del inventor del eteroarmonio (o sea como llamaban al Theremin en los años 20`s del siglo pasado) Leon Theremin; tan importante ha sido ésta incorporación que Gitarkin decidió re-grabar para el 2004 el disco Vamp Babes utilizando el Theremin de Lidya como un aporte importante e incorporando un bonus a la grabación. Pero también de cuándo en cuándo se han reunido para trabajar juntos de nueva cuenta, Messer Für Frau Müller han editado obras interesantísimas como Danger Retrobolik ó Remixodelica (2005), en dónde remezclan trabajos anteriores de los Messer Für bajo las firmas de messer chups, Gitarkin, Kostrow, pero también de gente como el Neo yorkino End, Krakatuk o Tipsy. En 2008 editaron Wake up the dead, en dónde es curioso notar como si en los discos como second hand ó Allo!Superman el peso estético lo cargaba Kostrow, ahora en la nueva producción de los Messer Für es la visión de Gitarkin (que tanto éxito ha cosechado aplicándola en sus Messer Chups), la que prevalece ahora.
Por si mismos todos éstos discos de éste dueto de San Petesburgo, constituyen una formidable e interesante colección de productos de la Nueva Rusia, y sin embargo no están aislados ni mucho menos. Ellos han dado el banderazo de salida a una nueva e interesante generación de Músicos Rusos, quienes han sido capturados en el excepcional disco compilatorio Café Sputnik (2005), en dónde encontramos a gente como Igor Vdovin, quién fue durante algún tiempo miembro de los messer chups. Ó bien a los Kim & Buran, moscovitas fanáticos del trabajo de los messer für y las caricaturas de europa del este, sin duda su sonido es muy cercano al easy listening; pero también encontramos músicos de ésta nueva escena post lounge como Netslov, Andrei Zuyev, Dima Vikhornov ó O.M.F.O. (Our man from Odessa). Este último originario del puerto Ucraniano de Odessa, aunque enraízado en Amsterdam desde hace ya vario años, ésta interesado en re interpretar canciones folklóricas de lugares ex repúblicas soviéticas como Arzebayán o su natal Ucrania, pero con un sentido lúdico y con auxilio de la tecnología del sampler y los sintetizadores. Este sincretismo musical lo podemos encontrar en sus 2 excelentes discos, Trans Balkan Express (obvia referencia a la electrónica kraftweriana) y en We are the Sheperds, disco en el cual trabajo vía online con Uwe Schmidt mejor conocido como Sr Coconut. Y que bien le ha valido aparecer en un soundtrack como el de Borat, la película de Sasha Baron Cohen.
Una escena fascinante se esta creando en Rusia, y disqueras como la de Maxim Nazarov, la ahora ya reconocida Aero CCCP la están registrando en compilados como Future sounds of Russia, en dónde Nazarov opta por mostrar la nueva escena indietrónica que se gesta por allá, aunque sin duda es ésa otra galaxia cinemático, juguetón, sampledelico, dentro de la cual los Messer Für Frau Müller son el corazón, aquellos que lograron a golpe de talento llamar la atención hacia aquel lugar del mundo. Al final el chairman de la disquera Aero CCCP define en pocas palabras que esta ocurriendo por allá, Maxim Nazarov escribe sobre un originalísimo compilado llamado Halloween of Bloody Nightmares en el que se agrupa a gente como los messer chups ó la psicótica banda australiana Monster Zoku Onsomb!. “éstos artistas han creado un macabro mundo a través del cual se viaja mediante un hibrido musical derivado de diversos géneros, de lo experimental a lo industrial, del electro al sampleo del surf de horror, del rock al rave”.
acá puedes descargar algunos ejemplos de lo que menciono en el artículo:
OMFO - TRANS BALKAN EXPRESS (2004)
MESSER FÜR FRAU MÜLLER - WAKE UP THE DEAD (2008)
OLEG KOSTROW - THE GREAT FLASHING TRACKS FROM IWONA (1999)
FUTURE SOUNDS OF RUSSIA (2008)
MESSER FÜR FRAU MÜLLER - REMIXODELICA (2005)
MESSER CHUPS - COCKTAIL DRACULINA
Fue poco antes de Mayo del 2003 aproximadamente, ¿cómo es que lo recuerdo?, bien pues hace poco hice un “corte de caja” a las pertenencias acumuladas y me topé con el dummie de una revista que jamás publiqué, que edité junto con Roberto pero que por una u otra razón, mmm en realidad no fue por una u otra razón, hay una en particular por la cual no salió, pero de ello no haré mención en éste momento. En ésa revista encontré un texto titulado: “…”; así es, simplemente 3 puntos suspensivos intitulan un texto extraño pero bastante bueno, digno de un fanzine, y de eso nadie sabía más que el creador de dicho texto, Iván Monroy.
Iván coleccionaba fanzines, estudiaba matemáticas y le interesaban cosas como el performance o el net art y todas ésas cosas que a finales de los 90’s y principios de la década del 2000 causaban furor entre los pocos entendidos de ello en México. No voy a ahondar mucho en Iván, sobra decir que era un tipo bastante raro, incluso yo conocía personas que sin tratarlo de nada les desagradaba sobremanera. Bien pues por aquella época me invito a una fiesta que haría en su casa. Sin duda la fiesta menos concurrida a la que he ido hasta el momento, él y un amigo suyo aguardaban impacientes a sus invitados los cuáles, salvo yo, nunca llegaron. Recuerdo que no estuve demasiado tiempo en aquel lugar de la colonia Lindavista (al norte de la ciudad de México), pero si el suficiente como para escucharme 2 discos que me encantaron e introdujeron en mundos sonoros interesantísimos. Por un lado un compilado de la disquera alemana Morr music y todo aquel sonido que iba del idm, de los click n’ cuts al shoegaze, por el otro, un rarísimo disco construido a base de samples “The great flashing tracks from Iwona” de un ruso llamado Oleg Kostrow. La impresión que me causó este último fue muy fuerte, en primera creo que no conocía música contemporánea rusa, si acaso creía que los Leningrad Cowboys podrían ser lo más cercano a eso, ya luego me enteré que en realidad son de Finlandia. En segunda, el disco variaba en cuanto a texturas, ritmos, soniditos raros acá y allá, una fina pieza de artesanía, exótico, festivo, sexy, divertido, excesivo, demente, cómo una caricatura de ésas estilo Max Fleischer de los años 20’s; no por nada al estilo de Kostrow algunos le llaman Easy listening Cartoon, con ritmos y tópicos sonoros que tradicionalmente han sido abordados por géneros como el space age pop ó la música exótica, retrofuturismo puro en candyflip (si usted no sabe que es un candyflip, consiste en una combinación del alucinógeno lsd y el siempre fiestero mdma). Por supuesto conseguí tal disco y lo escuché y escuché, se lo ponía a todos mis amigos, simplemente estaba enamorado de ése disco creado en 1999. De inmediato me puse a buscar más discos de Олег Костров, o sea de Oleg Kostrow, pero no encontraba nada, aunque sospecho que más bien se debía a la ineficiencia de mis métodos de búsqueda, eso me desesperaba bastante, y ya a punto de abortar la misión, encontré en un site que Kostrow era miembro de una banda llamada Messer Für Frau Müller. Casi de inmediato localicé un disco de ésos Messer Für…, el disco al descargarlo venía con montones de simbolitos extraños, caracteres que mi computadora traducía como podía y de mala manera. E igual de mala manera tomé el hecho de que el disco (muchísimo tiempo después me enteré de que se trataba del Сеньоры Краковяки ó Senors Crakovajk, primer disco de los Messer Für Frau Müller de 1993) sonaba como a unos dead kennedys jugando con una máquina de electroshocks, una onda medio hardcore que no tenía en lo absoluto nada que ver con lo que yo esperaba escuchar. Y es que resulta que si bien Oleg Kostrow en efecto pertenecía a tal banda, ésta experimentó una larga travesía de cambios embarcándose en sonidos diferentes. De principios de los 90 a finales de la misma década, navegaron desde su natal San Petesburgo bajo ésa bandera punk hardcore experimental, pero luego voltearon a sonidos como el gabber e incluso el drum n’ bass mismo que habría de exhibirse en un disco como el Icicle-Murderers de 1997; pero a partir de su disco llamado Second Hand Dreams del año 2000, Kostrow y la otra mitad de los Messer Für Frau Müller, Oleg Gitarkin; mutan al gusto por la psicodelia, bombardeos de sampleos de películas de serie B y programas televisivos así como de beats 60’s ó remates de drum n bass, al mondo surf y la visión post easy listening. ¿Cuál es la razón de éste cambio?, es evidente que el The great flashing tracks from Iwona es el año 0, el punto de partida para ésta gran movimiento, para ésta gran Sampledelica! Rusa. Pues bien, Oleg Kostrow a la par de su proyecto musical Messer Für…, incursionaba también en crear espectáculos teatrales y de performance, así es como conceptualizó Iwona. Un cuento de hadas que debía ser interpretado por niños, que a su vez se enriqueció con la colaboración del diseñador ruso Bartenew, quién con sus coloridos y divertidos trajes vistió aquella representación. La música de the great flashings tracks from Iwona es en realidad la pista sonora que Kostrow interpretaba en vivo durante ésas representaciones teatrales, que incluso traspasaron las fronteras rusas para presentarse en Londres. La idea para musicalizar Iwona, era componer piezas que resultarán hermosas, divertidas, graciosas, espectaculares como debía sonar un disco dentro de un gran cuento de hadas, así que selecciona ritmos como el disco, mambo, la psicodelia, salpicando aquí y allá de sampleos juguetones que no interrumpieran la progresión de la representación, sino crearan una dimensión extra dentro de la misma. Y vaya si lo logró, la construcción sonora es tan sólida, que funciona bastante bien independiente de la representación teatral, se editó y de inmediato en 1999 revistas como la alemana Flyer comentaba que un tema como “Der sack und das messer” era el comienzo de un nuevo “hype”, anunciaba un futuro prometedor para la música del este de Europa. Las colaboraciones entre Bartenew y Kostrow no cesarían, Bartenew diseñaría un espectáculo para el London's Royal Festival Hall en el cual requiere de la música de Kostrow, quien compone Snow Queen (en honor al cuento de H.C. Andersen). Snow Queen es una apuesta sonora mucho mas grande, el universo sampledélico de las composiciones de Kostrow ahora se agranda con los sampleos a piezas de música clásica de compositores rusos como Prokofiev, elevando al cubo los grados de histeria, caos y grandilocuencia de su música, pero también anclándola a una raíz profundamente rusa. Esto se recopilaría en el disco del año 2000 Snow Queen / Overflashing Tracks From Iwona, que también compila tracks que no habían entrado en el the great flashings tracks from Iwona, o bien, tracks re trabajados, y cuya visión estaba puesta más en que fuesen escuchados en un club que en la comodidad de tú sala.
Second Hand supone entonces un disco en el cual los Messer Für Frau Müller inserta todo ése nuevo sonido adquirido por Kostrow durante su trabajo en solitario, quién ya para ése entonces se le consideraba un maestro en el arte del sampler, que habría de reiterar una y otra vez al entrar en un periodo tan prolífico que se reflejo al editar durante ése mismo año 2000 los discos Гипер Утесов (que podríamos traducir como high rocks) y Allo! Superman (2000) dentro del cual no es de extrañar que el primer track del disco se llame hypnotyzed snow men, estableciendo cierta continuidad con el ya mencionado snow queen que creó en solitario y sobretodo teniendo el ojo clavado en hacer piezas bailables, excéntricas, grandiosas, como un kosako borracho jugando a poner los mejores 20 segundos de todas las canciones que le gustaran. Si a esto le sumamos la imaginería y el amor de Oleg Gitarkin a las películas de ciencia ficción, el surf de terror, el enamoramiento que tiene Gitarkin para con los tamborazos sesenteros, la combinación fue al 100% explosiva, todo ése caos centrado en la pista de baile, en volverte loco sin que puedas dejar de bailar.
Quizá el desborde creativo de Kostrow animó y aceleró el proceso de Gitarkin, tanto en Second Hand, cómo en Гипер Утесов y Allo! Superman, se escucha una conexión intrínseca con el trabajo en solitario de Kostrow de sus discos Snow Queen y the great flashings tracks from Iwona, por lo que es fácil asumir que son discos detrás de los cuáles hay más de Kostrow que de Gitarkin, se escucha cierto dominio estilístico de parte de Kostrow. Y es eso lo que podemos asumir forza las circunstancias para que Gitarkin trabaje y ése mismo año edite el primer disco de la que hoy es una de las bandas más célebres de Rusia, Messer Chups. Vamp Babes disco del año 2000 da rienda suelta a la imaginería de terror psicodélico que tiene Gitarkin en la cabeza, conectado directamente a las películas de serie b, a los riffs de guitarra surf y los acordes de moog sesentero, con tracks de estructura menos variable que las realizadas por Kostrow, por decirlo de alguna manera, con estructuras más convencionales, menos laberínticas. Sobra decir que por todo lo anterior el año 2000 es sumamente productivo para el dueto Kostrow-Gitarkin, tanto en proyectos personales como en su proyecto en conjunto, los catapultó, en particular a Guitarkin a acercarse a la escena alemana underground, dónde finalmente obtendrá reconocimiento y sobretodo muchísimo fanáticos.
De entonces a la fecha Kostrow y Gitarkin han mantenido una producción individual interesante, Kostrow creó entre otros discos como Imago (2002), lego for 4 (2003), America (2006) en dónde mapea sonoramente a los estados unidos, desde el hip hop ó break dance a la música de caricaturas de los años 30. Mientras que Guitarkin y sus messer chups han mantenido la línea en producciones como Black Black Magic (2002), Heretic Channel (2009?) , messer chups ha funcionado como un grupo, dentro del cual las alineaciones han ido variando, salidas e incorporaciones a la banda, dentro de las cuales sin duda la más importante es que desde … como parte de los messer chups se ha integrado Lidya Kavina, una de las mejores intérpretes de Theremin en el mundo, quien además es nieta del inventor del eteroarmonio (o sea como llamaban al Theremin en los años 20`s del siglo pasado) Leon Theremin; tan importante ha sido ésta incorporación que Gitarkin decidió re-grabar para el 2004 el disco Vamp Babes utilizando el Theremin de Lidya como un aporte importante e incorporando un bonus a la grabación. Pero también de cuándo en cuándo se han reunido para trabajar juntos de nueva cuenta, Messer Für Frau Müller han editado obras interesantísimas como Danger Retrobolik ó Remixodelica (2005), en dónde remezclan trabajos anteriores de los Messer Für bajo las firmas de messer chups, Gitarkin, Kostrow, pero también de gente como el Neo yorkino End, Krakatuk o Tipsy. En 2008 editaron Wake up the dead, en dónde es curioso notar como si en los discos como second hand ó Allo!Superman el peso estético lo cargaba Kostrow, ahora en la nueva producción de los Messer Für es la visión de Gitarkin (que tanto éxito ha cosechado aplicándola en sus Messer Chups), la que prevalece ahora.
Por si mismos todos éstos discos de éste dueto de San Petesburgo, constituyen una formidable e interesante colección de productos de la Nueva Rusia, y sin embargo no están aislados ni mucho menos. Ellos han dado el banderazo de salida a una nueva e interesante generación de Músicos Rusos, quienes han sido capturados en el excepcional disco compilatorio Café Sputnik (2005), en dónde encontramos a gente como Igor Vdovin, quién fue durante algún tiempo miembro de los messer chups. Ó bien a los Kim & Buran, moscovitas fanáticos del trabajo de los messer für y las caricaturas de europa del este, sin duda su sonido es muy cercano al easy listening; pero también encontramos músicos de ésta nueva escena post lounge como Netslov, Andrei Zuyev, Dima Vikhornov ó O.M.F.O. (Our man from Odessa). Este último originario del puerto Ucraniano de Odessa, aunque enraízado en Amsterdam desde hace ya vario años, ésta interesado en re interpretar canciones folklóricas de lugares ex repúblicas soviéticas como Arzebayán o su natal Ucrania, pero con un sentido lúdico y con auxilio de la tecnología del sampler y los sintetizadores. Este sincretismo musical lo podemos encontrar en sus 2 excelentes discos, Trans Balkan Express (obvia referencia a la electrónica kraftweriana) y en We are the Sheperds, disco en el cual trabajo vía online con Uwe Schmidt mejor conocido como Sr Coconut. Y que bien le ha valido aparecer en un soundtrack como el de Borat, la película de Sasha Baron Cohen.
Una escena fascinante se esta creando en Rusia, y disqueras como la de Maxim Nazarov, la ahora ya reconocida Aero CCCP la están registrando en compilados como Future sounds of Russia, en dónde Nazarov opta por mostrar la nueva escena indietrónica que se gesta por allá, aunque sin duda es ésa otra galaxia cinemático, juguetón, sampledelico, dentro de la cual los Messer Für Frau Müller son el corazón, aquellos que lograron a golpe de talento llamar la atención hacia aquel lugar del mundo. Al final el chairman de la disquera Aero CCCP define en pocas palabras que esta ocurriendo por allá, Maxim Nazarov escribe sobre un originalísimo compilado llamado Halloween of Bloody Nightmares en el que se agrupa a gente como los messer chups ó la psicótica banda australiana Monster Zoku Onsomb!. “éstos artistas han creado un macabro mundo a través del cual se viaja mediante un hibrido musical derivado de diversos géneros, de lo experimental a lo industrial, del electro al sampleo del surf de horror, del rock al rave”.
acá puedes descargar algunos ejemplos de lo que menciono en el artículo:
OMFO - TRANS BALKAN EXPRESS (2004)
MESSER FÜR FRAU MÜLLER - WAKE UP THE DEAD (2008)
OLEG KOSTROW - THE GREAT FLASHING TRACKS FROM IWONA (1999)
FUTURE SOUNDS OF RUSSIA (2008)
MESSER FÜR FRAU MÜLLER - REMIXODELICA (2005)
MESSER CHUPS - COCKTAIL DRACULINA
Etiquetas: aero cccp, messer chups, messer für frau müller, oleg kostrow, omfo
martes, agosto 18, 2009
Unknown Pleasures (remastered & expanded) – Joy Division.
La belleza desoladora dentro de una ciudad sin árboles.
Si lo piensas bien, deben ser sorprendentes los únicos dos lp`s que grabó Joy Division para convertirlos en toda una leyenda, por supuesto me vienen a la mente un par de bandas que con un solo disco transformaron la historia contemporánea de la música popular, pero sin duda la atención captada por la banda de Manchester les gana de calle a ésas efimerísimas bandas. Así como dice Peter Saville, diseñador de las portadas de los únicos dos discos de Joy Division, sólo están esos 2 únicos discos (Unknown pleasures y Closer) y lo demás es memorabilia ó nostalgia, yo agregaría también las categorías tributo por un lado, puro y llano negocio por el otro. Es lógico por lo tanto que ésas dos sendas joyas sonoras sean revisitadas, analizadas, desmenuzadas una y otra vez. No es fortuito que últimamente tenga tan presente el Unknown pleasures en éstos días, la reciente muerte de J.G. Ballard es una razón de ello. Me consta que es poco conocida y reconocida la influencia del escritor de la isla de cemento sobre la obra de Joy Division, y es que sin duda la obra Ballardiana al igual que la de William S. Burroughs son motores cruciales para el movimiento post-punk británico dentro del cual Joy Division es uno de sus grandes referentes. Pero es precisamente dentro del Unkown pleasures en dónde se distingue con mayor claridad la belleza dentro de la destrucción y la desolación, el aislamiento y la alienación experimentada por los habitantes de las grandes ciudades, todos ellos temas recurrentes en la obra de J.G. Ballard. Sin duda el referente más obvio son las letras de Ian Curtis, quien sobra decir era un asiduo lector de J.G. , y cuyas letras tienen destellos de referencias directas; es también de recalcar y analizar el sonido futurístico y desolador que impuso el productor Martin Hannett a ése disco, perfecta comparsa para ideas como las ya señaladas; y es que sin duda Martin es otro de los elementos importantísimos para que éste sea uno de los mejores discos de la historia. Martin Hannett quién para ése momento ya había sido productor (bajo el nombre de Martin Zero) de uno de los pocos discos interesantes que dio el punk, el Ep “spiral scratch” de los también manchesterianos Buzzcocks.
Si bien Peter Hook (bajista de Joy Division y por supuesto de New Order) iracundo alega en el documental Joy Division de Grant Lee, “él sólo producía, intervenía cuando lo necesitábamos, pero nosotros escribimos las canciones”, es claro que el papel de Martin Hannett dista mucho de ser secundario, muy por el contrario, brinca desde su consola de productor para que igual que ésos productores jamaicanos que admiraba tanto, hacerse sentir desde la consola como un elemento activo en la creación del disco, incluso en ocasiones ser la quintaesencia del sonido de una banda, no sólo ser quien graba, si bien, no quien compone las canciones, si quien crea el sonido. A diferencia del productor que ha grabado más discos en la historia del Rock , Steve Albini, quien busca capturar el como suena la banda en vivo para llevar ése sonido al disco, a Martin Hannett le importaba poco como sonaran en vivo, él imponía su interpretación de cómo debía sonar la banda con quien trabajaba, y en el caso de Joy Division el optó por un sonido denso, críptico, futurista pero fantasmagórico ó por usar un termino creado por el filósofo Jaques Derrida “espectrológico” (es uno de los últimos conceptos elaborados por el filósofo francés, que encierra la idea de lo fantasmal, de aquello que cobra vida sólo cuando uno lo pone en el tocadiscos, pero que da la sensación de ser obra de alguien que no se encuentra vivo). No por nada en palabras del propio Martin Hannett aparecidas en el ya mencionado documental de Grant Lee, señala sobre Joy Division “eran un regalo para cualquier productor, porque no tenían idea de nada, no se quejaban de nada de lo que les ponía hacer… sobre lo primero que hicimos, creo que se llamaba Digital, cómo mandado del cielo”, ustedes saquen sus conclusiones.
Unknown Pleasures es una paleta de sonidos manipulados en digital, pero de igual forma otros grabados y manipulados analógicamente. Es célebre la imagen que aparece en la película 24 hour party people en la cual desarma la batería de Stephen Morris y lo forza a tocar en el techo del estudio, sobra decir que se remite a lo ocurrido en los estudios Cargo de Rochdale, en dónde sólo grabaron Glass, Atmosphere , Ice Age y Digital para el disco A factory Sample, que mostraba a las bandas que usualmente tocaban en el club manchesteriano llamado the Factory y que eventualmente habría de convertirse en uno de los sellos disqueros más interesantes de su época, en el que por supuesto encontramos el disco que nos ocupa en este artículo. Algo que no relata la película es que al armar la batería en la azotea la ensambla con tubos y otra pedacería del sanitario del estudio. Recuerden que luego tendrá la idea de usar un aerosol en spray (que algunos dicen era un insecticida) para crear el sonido que supuestamente debían producir los platillos en la canción She lost control para la grabación. Así pues en el ámbito de lo analógico tenía creatividad de sobra Hannett. ¿Y en el ámbito digital? Un visionario sin duda. Cómo ya mencioné Hannett admiraba a los Jamaicanos, y nada más jamaicano que el Dub, también resulta curioso para algunos de los fans más jóvenes de Joy Division advertir que en Unknown Pleasures hay una influencia grande de ése género proveniente de Jamaica. No la busquen en los acordes o en los compases, sino en la forma de grabar la batería que la antepone en primer plano sobre todos los demás instrumentos (algo inusual en los discos grabados en gran Bretaña en aquellos días), Unknown Pleasures es un disco rico en ecos y rebotes de sonido y en la mezcla del bajo tal como se hace en el dub. Un de los grandes aportes de Hannett al disco y a la música en general es el uso de las líneas de delay AMS, si me preguntan ¿qué demonios es eso?, sólo decirles que es un aparatejo que permitía capturar el sonido de la batería y después manipularlo mediante diferentes filtros, todo eso le dio un sonido futurístico, extraño, sórdido a la batería de Joy Division, es de remarcarse que ése aparatejo fue construido por un par de ingenieros de Lancashire bajo las instrucciones y deseos de Martin Hannett a quien le fue entregado sólo dos semanas antes de la grabación del Unknown Pleasures, así pues tuvo la oportunidad perfecta de probar ése excelente chunche electrónico. De igual forma los 2 sintetizadores usados en las grabaciones (un Arp omnis y un Transcendent 2000) fueron retocados con las líneas AMS, filtrados y loopeados (el loop es repetir un fragmento de grabación una y otra vez en vez), ése sonido fue sin duda parte esencial del disco.
Por si sobrará un motivo más para sacar desempolvar dicho álbum y colocarlo en el estéreo de la casa o en los audífonos del ipod, el 15 de junio pasado se cumplieron 30 años de la primera ocasión en que salió a la venta dicho LP, considerado por la Q magazine (una de las revas británicas más importantes dentro del mundo de la música alternativa) cómo uno de los 20 mejores discos grabados en la historia de Inglaterra, igual es de señalar la impresionante calificación que la Pitchfork media (una de las principales agecias de critica musical en el mundo) otorga a ése disco 10.0; y es que nada antes de él había sonado de ésa manera, nada antes de él había puesto en la mira al lugar que sobrevivió los bombardeos de la segunda guerra mundial pero que dio a la generación siguiente un paisaje sombrío y triste al norte de Inglaterra, digno de una obra Ballardiana; Unknown pleasures tiene una belleza futurista produnfamente enraízada en las cosas que nos rodean todos los días, los autos olvidados en algún tiradero oxidándose, los multifamiliares inmesamente grises, y sobretodo la gente que los habita, quienes están destinados a convivir con la miseria, lo destartalado, lo alienante, la culpa, el aburrimiento, la inmovilidad, quienes están condicionados geográfica, económica y mentalmente, a un pequeño espacio físico o psicológico. Allí dónde transcurren las cosas de todos los días, hay a quien le da por crear arte con ésos elementos, por sobretodo eso es éste disco, una maldita obra de arte, con todas sus letras.
y acá les dejo el link para que se descarguen èsta version remastered and extended
La belleza desoladora dentro de una ciudad sin árboles.
Si lo piensas bien, deben ser sorprendentes los únicos dos lp`s que grabó Joy Division para convertirlos en toda una leyenda, por supuesto me vienen a la mente un par de bandas que con un solo disco transformaron la historia contemporánea de la música popular, pero sin duda la atención captada por la banda de Manchester les gana de calle a ésas efimerísimas bandas. Así como dice Peter Saville, diseñador de las portadas de los únicos dos discos de Joy Division, sólo están esos 2 únicos discos (Unknown pleasures y Closer) y lo demás es memorabilia ó nostalgia, yo agregaría también las categorías tributo por un lado, puro y llano negocio por el otro. Es lógico por lo tanto que ésas dos sendas joyas sonoras sean revisitadas, analizadas, desmenuzadas una y otra vez. No es fortuito que últimamente tenga tan presente el Unknown pleasures en éstos días, la reciente muerte de J.G. Ballard es una razón de ello. Me consta que es poco conocida y reconocida la influencia del escritor de la isla de cemento sobre la obra de Joy Division, y es que sin duda la obra Ballardiana al igual que la de William S. Burroughs son motores cruciales para el movimiento post-punk británico dentro del cual Joy Division es uno de sus grandes referentes. Pero es precisamente dentro del Unkown pleasures en dónde se distingue con mayor claridad la belleza dentro de la destrucción y la desolación, el aislamiento y la alienación experimentada por los habitantes de las grandes ciudades, todos ellos temas recurrentes en la obra de J.G. Ballard. Sin duda el referente más obvio son las letras de Ian Curtis, quien sobra decir era un asiduo lector de J.G. , y cuyas letras tienen destellos de referencias directas; es también de recalcar y analizar el sonido futurístico y desolador que impuso el productor Martin Hannett a ése disco, perfecta comparsa para ideas como las ya señaladas; y es que sin duda Martin es otro de los elementos importantísimos para que éste sea uno de los mejores discos de la historia. Martin Hannett quién para ése momento ya había sido productor (bajo el nombre de Martin Zero) de uno de los pocos discos interesantes que dio el punk, el Ep “spiral scratch” de los también manchesterianos Buzzcocks.
Si bien Peter Hook (bajista de Joy Division y por supuesto de New Order) iracundo alega en el documental Joy Division de Grant Lee, “él sólo producía, intervenía cuando lo necesitábamos, pero nosotros escribimos las canciones”, es claro que el papel de Martin Hannett dista mucho de ser secundario, muy por el contrario, brinca desde su consola de productor para que igual que ésos productores jamaicanos que admiraba tanto, hacerse sentir desde la consola como un elemento activo en la creación del disco, incluso en ocasiones ser la quintaesencia del sonido de una banda, no sólo ser quien graba, si bien, no quien compone las canciones, si quien crea el sonido. A diferencia del productor que ha grabado más discos en la historia del Rock , Steve Albini, quien busca capturar el como suena la banda en vivo para llevar ése sonido al disco, a Martin Hannett le importaba poco como sonaran en vivo, él imponía su interpretación de cómo debía sonar la banda con quien trabajaba, y en el caso de Joy Division el optó por un sonido denso, críptico, futurista pero fantasmagórico ó por usar un termino creado por el filósofo Jaques Derrida “espectrológico” (es uno de los últimos conceptos elaborados por el filósofo francés, que encierra la idea de lo fantasmal, de aquello que cobra vida sólo cuando uno lo pone en el tocadiscos, pero que da la sensación de ser obra de alguien que no se encuentra vivo). No por nada en palabras del propio Martin Hannett aparecidas en el ya mencionado documental de Grant Lee, señala sobre Joy Division “eran un regalo para cualquier productor, porque no tenían idea de nada, no se quejaban de nada de lo que les ponía hacer… sobre lo primero que hicimos, creo que se llamaba Digital, cómo mandado del cielo”, ustedes saquen sus conclusiones.
Unknown Pleasures es una paleta de sonidos manipulados en digital, pero de igual forma otros grabados y manipulados analógicamente. Es célebre la imagen que aparece en la película 24 hour party people en la cual desarma la batería de Stephen Morris y lo forza a tocar en el techo del estudio, sobra decir que se remite a lo ocurrido en los estudios Cargo de Rochdale, en dónde sólo grabaron Glass, Atmosphere , Ice Age y Digital para el disco A factory Sample, que mostraba a las bandas que usualmente tocaban en el club manchesteriano llamado the Factory y que eventualmente habría de convertirse en uno de los sellos disqueros más interesantes de su época, en el que por supuesto encontramos el disco que nos ocupa en este artículo. Algo que no relata la película es que al armar la batería en la azotea la ensambla con tubos y otra pedacería del sanitario del estudio. Recuerden que luego tendrá la idea de usar un aerosol en spray (que algunos dicen era un insecticida) para crear el sonido que supuestamente debían producir los platillos en la canción She lost control para la grabación. Así pues en el ámbito de lo analógico tenía creatividad de sobra Hannett. ¿Y en el ámbito digital? Un visionario sin duda. Cómo ya mencioné Hannett admiraba a los Jamaicanos, y nada más jamaicano que el Dub, también resulta curioso para algunos de los fans más jóvenes de Joy Division advertir que en Unknown Pleasures hay una influencia grande de ése género proveniente de Jamaica. No la busquen en los acordes o en los compases, sino en la forma de grabar la batería que la antepone en primer plano sobre todos los demás instrumentos (algo inusual en los discos grabados en gran Bretaña en aquellos días), Unknown Pleasures es un disco rico en ecos y rebotes de sonido y en la mezcla del bajo tal como se hace en el dub. Un de los grandes aportes de Hannett al disco y a la música en general es el uso de las líneas de delay AMS, si me preguntan ¿qué demonios es eso?, sólo decirles que es un aparatejo que permitía capturar el sonido de la batería y después manipularlo mediante diferentes filtros, todo eso le dio un sonido futurístico, extraño, sórdido a la batería de Joy Division, es de remarcarse que ése aparatejo fue construido por un par de ingenieros de Lancashire bajo las instrucciones y deseos de Martin Hannett a quien le fue entregado sólo dos semanas antes de la grabación del Unknown Pleasures, así pues tuvo la oportunidad perfecta de probar ése excelente chunche electrónico. De igual forma los 2 sintetizadores usados en las grabaciones (un Arp omnis y un Transcendent 2000) fueron retocados con las líneas AMS, filtrados y loopeados (el loop es repetir un fragmento de grabación una y otra vez en vez), ése sonido fue sin duda parte esencial del disco.
Por si sobrará un motivo más para sacar desempolvar dicho álbum y colocarlo en el estéreo de la casa o en los audífonos del ipod, el 15 de junio pasado se cumplieron 30 años de la primera ocasión en que salió a la venta dicho LP, considerado por la Q magazine (una de las revas británicas más importantes dentro del mundo de la música alternativa) cómo uno de los 20 mejores discos grabados en la historia de Inglaterra, igual es de señalar la impresionante calificación que la Pitchfork media (una de las principales agecias de critica musical en el mundo) otorga a ése disco 10.0; y es que nada antes de él había sonado de ésa manera, nada antes de él había puesto en la mira al lugar que sobrevivió los bombardeos de la segunda guerra mundial pero que dio a la generación siguiente un paisaje sombrío y triste al norte de Inglaterra, digno de una obra Ballardiana; Unknown pleasures tiene una belleza futurista produnfamente enraízada en las cosas que nos rodean todos los días, los autos olvidados en algún tiradero oxidándose, los multifamiliares inmesamente grises, y sobretodo la gente que los habita, quienes están destinados a convivir con la miseria, lo destartalado, lo alienante, la culpa, el aburrimiento, la inmovilidad, quienes están condicionados geográfica, económica y mentalmente, a un pequeño espacio físico o psicológico. Allí dónde transcurren las cosas de todos los días, hay a quien le da por crear arte con ésos elementos, por sobretodo eso es éste disco, una maldita obra de arte, con todas sus letras.
y acá les dejo el link para que se descarguen èsta version remastered and extended
miércoles, junio 24, 2009
Julio promete estar movidito
Así es ya que andaré dando cursos de música en el Woody Allen, sobre historia del pop independiente español, cultura de las tornamesas, historia de la música electrónica, del rock independiente, la música más bizarra del mundo y una revisión por las vanguardias más interesantes de la última década. Acá les dejó el programa completo del woody para verano.
Programa Completo de los Cursos De Verano en el Woody's
17 CURSOS INTENSIVOS CON DURACION DE UNA SEMANA!!!
3 SEMANAS DE LOCURA!!!!!!!
PRIMERA SEMANA
DEL LUNES 13 DE JULIO AL VIERNES 17 DE JULIO
de 13 A 15 HRS
DE KAKA DE LUXE A LA MONJA ENANA
historia del pop independiente español
JAPON YO TE AMO
cultura pop japonesa: juguetes de diseño, manga, sexualidad y fetiches, gadgets, cosplay, literatura, música, etc...
VAMPIROS
todo lo que siempre quisiste saber
y de 16 A 18 HRS
MÚSICA CONTEMPORANEA DE VANGUARDIA
nuevas tendencias en Japón, Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Rusia, Francia, Canadá, Islandia y otros países
FILOSOFIA DE LA DEPRESIÓN
un recorrido por la filosofía radical que tus profesores tienen prohibido enseñarte
EL FENOMENO DEL CINE ASIATICO
un recorrido por sus películas, historia, subgéneros y directores.
SEGUNDA SEMANA
DEL LUNES 20 DE JULIO AL VIERNES 25 DE JULIO
de 13 a 15 hrs
LA MUSICA MÁS BIZARRA DE LA HISTORIA
desde el tipo que hizo un piano con gatos hasta la música compuesta en psquiátricos
ANIME Y HENTAI
Origen y evolución de un fenómeno que ha tomado por asalto al mundo.
y de 16 A 18 HRS.
LA CULTURA DE LA TORNAMESA
Mc’s, soundsystems, dj's y collage sonoro
CULTURA DARK
un acercamiento al cine, la literatura, la música y sobretodo a la filosofía de éste movimiento
CINE DE TERROR
Desde lo más conocido, hasta las películas en Africa, España, Irán, Francia, Estonia, Sudamérica, etc…
TERCERA SEMANA
DEL LUNES 27 DE JULIO AL 31 DE JULIO
de 13 A 15 HRS.
FOTO DIGITAL
sácale provecho a tu cámara y experimenta con ella una nueva forma de hacer imágenes
EL CINE MAS BIZARRO DE LA HISTORIA
desde los héroes de acción de Nigeria hasta el star wars brasileño
HISTORIA DEL ROCK INDEPENDIENTE
desde los primeros estudios caseros hasta el fenómeno de la cooperative music europea
y de 16 A 18 HRS.
BOLLYWOOD
Adéntrate en la industria fílmica más grande del mundo, la India, y descubre las características que lo hacen tan singular
HISTORIA DE LA MUSICA ELECTRONICA
de 1919 al 2009. desde los pioneros como Theremin y Stockhausen, hasta contemporáneos como Dj Shadow
MARQUES DE SADE
vida y obra del escritor, y pensador más repulsivo y radical de la historia y la repercusión de su obra en el mundo
CADA CURSO CUESTA SOLO $600
Y A PARTIR DE 3 BAJAN A $500!!
INCREIBLE!!!
Se entregará constancia.
Pon en YouTube el nombre de cada curso para que te enteres mejor de que trata.
Los cursos tienen una duración de 10 hrs, divididas en 5 clases de dos horas, que se imparten de Lunes a Viernes en el horario y fecha señalados.
Centro Cultural Woody Allen
Calle Querétaro 196 Col. Roma.
A dos calles del Metrobús Sonora.
Teléfono: 55848680 mail: centroculturalwoodyallen@gmail.com
Horario de atención de 16 a 21 hrs. (Lunes a Jueves y Sábados)
www.myspace.com/centroculturalwoodyallen
Así es ya que andaré dando cursos de música en el Woody Allen, sobre historia del pop independiente español, cultura de las tornamesas, historia de la música electrónica, del rock independiente, la música más bizarra del mundo y una revisión por las vanguardias más interesantes de la última década. Acá les dejó el programa completo del woody para verano.
Programa Completo de los Cursos De Verano en el Woody's
17 CURSOS INTENSIVOS CON DURACION DE UNA SEMANA!!!
3 SEMANAS DE LOCURA!!!!!!!
PRIMERA SEMANA
DEL LUNES 13 DE JULIO AL VIERNES 17 DE JULIO
de 13 A 15 HRS
DE KAKA DE LUXE A LA MONJA ENANA
historia del pop independiente español
JAPON YO TE AMO
cultura pop japonesa: juguetes de diseño, manga, sexualidad y fetiches, gadgets, cosplay, literatura, música, etc...
VAMPIROS
todo lo que siempre quisiste saber
y de 16 A 18 HRS
MÚSICA CONTEMPORANEA DE VANGUARDIA
nuevas tendencias en Japón, Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Rusia, Francia, Canadá, Islandia y otros países
FILOSOFIA DE LA DEPRESIÓN
un recorrido por la filosofía radical que tus profesores tienen prohibido enseñarte
EL FENOMENO DEL CINE ASIATICO
un recorrido por sus películas, historia, subgéneros y directores.
SEGUNDA SEMANA
DEL LUNES 20 DE JULIO AL VIERNES 25 DE JULIO
de 13 a 15 hrs
LA MUSICA MÁS BIZARRA DE LA HISTORIA
desde el tipo que hizo un piano con gatos hasta la música compuesta en psquiátricos
ANIME Y HENTAI
Origen y evolución de un fenómeno que ha tomado por asalto al mundo.
y de 16 A 18 HRS.
LA CULTURA DE LA TORNAMESA
Mc’s, soundsystems, dj's y collage sonoro
CULTURA DARK
un acercamiento al cine, la literatura, la música y sobretodo a la filosofía de éste movimiento
CINE DE TERROR
Desde lo más conocido, hasta las películas en Africa, España, Irán, Francia, Estonia, Sudamérica, etc…
TERCERA SEMANA
DEL LUNES 27 DE JULIO AL 31 DE JULIO
de 13 A 15 HRS.
FOTO DIGITAL
sácale provecho a tu cámara y experimenta con ella una nueva forma de hacer imágenes
EL CINE MAS BIZARRO DE LA HISTORIA
desde los héroes de acción de Nigeria hasta el star wars brasileño
HISTORIA DEL ROCK INDEPENDIENTE
desde los primeros estudios caseros hasta el fenómeno de la cooperative music europea
y de 16 A 18 HRS.
BOLLYWOOD
Adéntrate en la industria fílmica más grande del mundo, la India, y descubre las características que lo hacen tan singular
HISTORIA DE LA MUSICA ELECTRONICA
de 1919 al 2009. desde los pioneros como Theremin y Stockhausen, hasta contemporáneos como Dj Shadow
MARQUES DE SADE
vida y obra del escritor, y pensador más repulsivo y radical de la historia y la repercusión de su obra en el mundo
CADA CURSO CUESTA SOLO $600
Y A PARTIR DE 3 BAJAN A $500!!
INCREIBLE!!!
Se entregará constancia.
Pon en YouTube el nombre de cada curso para que te enteres mejor de que trata.
Los cursos tienen una duración de 10 hrs, divididas en 5 clases de dos horas, que se imparten de Lunes a Viernes en el horario y fecha señalados.
Centro Cultural Woody Allen
Calle Querétaro 196 Col. Roma.
A dos calles del Metrobús Sonora.
Teléfono: 55848680 mail: centroculturalwoodyallen@gmail.com
Horario de atención de 16 a 21 hrs. (Lunes a Jueves y Sábados)
www.myspace.com/centroculturalwoodyallen
Etiquetas: centro cultural woody allen, cursos de verano
martes, junio 23, 2009
Regreso al radio por Internet con mi programa 9 volts
9 Volts el alegre programa de los Lunes por la noche, y en particular de los lunes de 21:30 a pasada la medianoche por www.conexionrock.com.mx ha regresado, y para celebrarlo ahora coloco disponibles las grabaciones de dicho programa.
Así es mis amigos y amigas por su pollo q si, acá los links donde podrán descargar éste suceso post apocalíptico de referencia loungera y guiño incorporado llamado 9 volts. las 3 primeras emisiones, para q conserven en sus corazones y compartan con sus seres queridos momentos inolvidables.
1era emisión: programa emotivo del 1 de Junio del 2009 http://www.mediafire.com/download.php?hjnevix2ygz
2da transmisión: programa especial dedicado a la legendaria figura del pop country psicodélico Lee Hazlewood, 8 de Junio del 2009 http://www.mediafire.com/download.php?0t1ydjmfmky
3ra transmisión: el bossa nova ha cumplido 50 años, que mejor oportunidad para armar un especial entorno a ello, 22 de Junio del 2009 http://www.mediafire.com/download.php?t0ajfmmfyhu
9 Volts el alegre programa de los Lunes por la noche, y en particular de los lunes de 21:30 a pasada la medianoche por www.conexionrock.com.mx ha regresado, y para celebrarlo ahora coloco disponibles las grabaciones de dicho programa.
Así es mis amigos y amigas por su pollo q si, acá los links donde podrán descargar éste suceso post apocalíptico de referencia loungera y guiño incorporado llamado 9 volts. las 3 primeras emisiones, para q conserven en sus corazones y compartan con sus seres queridos momentos inolvidables.
1era emisión: programa emotivo del 1 de Junio del 2009 http://www.mediafire.com/download.php?hjnevix2ygz
2da transmisión: programa especial dedicado a la legendaria figura del pop country psicodélico Lee Hazlewood, 8 de Junio del 2009 http://www.mediafire.com/download.php?0t1ydjmfmky
3ra transmisión: el bossa nova ha cumplido 50 años, que mejor oportunidad para armar un especial entorno a ello, 22 de Junio del 2009 http://www.mediafire.com/download.php?t0ajfmmfyhu
Etiquetas: 9 volts, bossa nova, lee hazlewood
miércoles, septiembre 24, 2008
Hey, regresé a la radio por internet, regresó 9volts, de nuevo apartir de las 21:30 hrs y hasta la media noche por www.conexionrock.com.mx. Realmente me siento muy contento, y para celebrarlo; postearé algunas reseñas atrasadas con links para bajar música al respecto de las bandas que reseñaré.
The ugly beats
Segunda visita por parte de los de Austin, antes habían visitado la capital mexicana como teloneros en aquella ocasión si no mal recuerdo de los cynics. Bola me los había recomendado sobre manera, uno de los grupos que en vivo impactan aunque ya luego el disco no me gusto tanto. Esa había sido la descripción de mi buen amigo el Bola, acertada, muy acertada. Conseguí las 2 producciones bring on the beats (2005) y take a stand (2007), ambas editadas en la misma compañía que los legendarios The Cynics, get hip. En ambos es notoria la carga de sonidos garage sesenteros, psicodelia a base de farfisas, fuerza y melodía, guitarras que se entrecruzan, una belleza mod para vestir botas altas y saco de terciopelo; sin embargo la fuerza, y velocidad están mucho más presentes en bring on the beats, a decir verdad Take a stand es un disco que aprendí a apreciar hasta después del concierto (en el que me compré una versión en vinil de dicho disco), con un garage más inglés que el heredero del sonido del norte de los estados unidos, a sacudirse con las sincopas del órgano y la velocidad de las guitarras en overdrive. Pero bien, verles en vivo es otra cosa, los discos son un mero referente, uno lastimosamente lejano de lo bien que ejecutan éstos texanos. Primero decir, quizá no éramos más de 25 personas quienes estábamos allí viéndoles, pero aún así tocaron como si estuviesen tratando de convencer a un festival entero (posteriormente platicando con ellos, no se cansan de comentar que están fascinados con México y con tocar aquí). La melodía va por encima de todos, y todos la respetan, pareciera ser la premisa de la banda. Las rolas tienen una, dos líneas melódicas claras, no por ello débiles, por el contrario, fuertes y aceleradas, con una ejecución limpia pero muy prendida. El mastodonte que tienen por batería no esta preocupado por golpear tan fuerte como para romper los parches, sino prefiere fuerza y velocidad para marcar, eso le permite hacer montones de figuras en su batería que cambian muy bien la dirección de las rolas o acentúa la intensidad. Pese a que tocan rapidísimo nunca se pisan, vamos no hay un instrumento tapando a otro, puedes escuchar con claridad las evoluciones de todos, el órgano siempre acompaña y brinca de segundo o tercer plano para dar otra melodía principal, el bajo en ocasiones se convierte en una segunda guitarra líder, aunque queda claro que su papel se encuentra en bajar perfectamente al pie el ritmo de los ugly beats. Las guitarras, que decir de esas dos guitarras?, nunca estáticas, nunca una juega a ser líder y la otra rítmica, ambas son líder, ambas son rítmicas, comparten melodías, una suena la otra le contesta, se entrecruzan, todo ello a 100 km/h, y sin dejar la idea de que se debe cantar por encima de todo eso, un monstruo melódico. Si bien las letras a veces pecan demasiado de ser naive, algunas no van tan melosas, y vamos, eso también tiene su encanto. Aunque sin duda, el platillo principal es la velocidad, fuerza y precisión con la que ejecutan psicodelia pop. Un excelente ejemplo de cuándo una banda no logra captarse en sus discos, es lo que ocurre con los ugly beats y sus dos producciones, que aunque si bien son buenas, ellos en vivo son poca madre.
Acá dejó tanto la grabación en vinyl de take a stand (2007), como su nueva producción, un 45 (2008) que contiene un rola bastante cercana a la visión estridente, acelerada de garage pop que tienen los de Austin, options by the pound.
take a stand grabado desde vinil (2007)
nuevo 45 de los ugly beats (2008)
Glass candy
Han pasado ya sus buenos años desde que glass candy tenía ése sonido synth, rock, oscuro, en dónde la influencia no wave sementera se dejaba sentir en discos como love, love, love (2003), de entonces 5 años a la fecha, un cambio en el sonido, fundar una subsidiaria discográfica, no poca cosa. Aquel love, love, love apareció en la disquera troubleman unlimited, tiempo después Johnny Jewel, tecladista y programador de la banda sería co-fundador junto con Mark Simoneti del subsello Italians do it better. Este hecho no es un asunto menor, junto con la creación del sello, la incorporación de bandas como Chromatics y Farah, glass candy se incorporó a un estilo, un pequeño conglomerado de bandas de Jersey y Portland, que optaban estilísticamente por el regreso de un sonido tan glamoroso, sintético, frío y a la vez sofisticado como el italo disco. Para nadie es un secreto que italians do it better hoy esta encumbrada como una disquera que genera mucha curiosidad e interés por conocer sus próximos lanzamientos, luego del impresionante compilado Alter Dark. El rumor de que venían tanto los chromatics como Glass candy tenía cierto sentido, johnny jewel esta involucrado emocionalmente con alguien de chromatics, y la vocal de glass candy, la canadiense Ida No, también sostiene una relación con alguien de Chromatics, pero bueno la primera decepción fue que sólo viniese glass candy, siendo sincero me agrada mucho más chromatics, en fin, no iba a dejar que eso fuera un impedimento. Luego de un rato salieron los glass candy, y bien?, no sé, no me agrado del todo. Ida No tiene claro su papel de ser entre Olivia Newton-John, Alan Vega de suicide y Deborah Harry. En los videos, las rolas, ahora tengo claro que es la sofisticación lo que me llama del nuevo glass candy, cuando tocan rolas como el cover que le hacen a kraftwerk computer love ó rolas como Last Nite I Met a Costume ó Beatific, todo va bien mientras mantengan ésa aura fría, mientras Ida se dedique a sacarle sonidos neón a su voz, no cuando tratan de prender a la banda; que dicho sea de paso te hace pensar en varias cosas, cómo que hay ciertos asistentes a conciertos o presentaciones en México que les encanta la pose de imperturbables, de yo no me muevo ni un ápice, a ver que pueden hacer ustedes los que tocan para que yo me emocione. Bueno había un sector con ésa actitud, muy pocos, los que rodeábamos a los glass candy tratábamos de movernos, bailar un poco, pero vamos, tampoco es que glass candy sea una banda que te haga bailar desenfrenadamente. En fin, que las arengas de Ida No, por prender a la gente, por hacer que bailasen, de soltar gritos y chillidos, creo que resultó en detrimento del espectáculo, allí donde esperaba ver a un glass candy imperturbable, sólo gran parte del público lo estuvo, allí dónde esperaba ver delicadeza, sofisticación, sólo gritos y un manejo de la programación que trataba de ir fiestero, un concierto breve, lo mejor, que Ida No lanzara copias de su disco B/E/A/T/B/O/X y playeras a los asistentes, a mi me toco un disco, me queda bien claro que los discos de italian do it better son sensacionales, las bandas en vivo, mmmm, hasta ahora solo he visto a glass candy pero no se lo presumiría a nadie.
glass candy - beatbox (2007)
Lords of altamont
Qué es la tercera ocasión en la que vienen?, quizá la cuarta?, eso es lo menos importante, nunca han dado un mal show por lo menos en México (quizá corto si), pero cuando salen a acabar con el cuadro, lo hacen y punto. Los lords poseen uno de mis discos favoritos de la década que esta acercándose a su fin, to hell with lords of altamont (2003), si buscas la definición de que demonios tocan los lords, encontrarás, hard rock, garage, psychodelic rock, punk rock, yo diría, es rock de motociclistas. Duro, peligroso, prendo, anfetamínico y borracho, rock para hombres, así lo definiría un amigo que toca las guitarras en una banda legendaria mexicana del garage. Las siguientes dos entregas discográficas de los lords, tanto lords have mercy (2005), como el nuevísimo the altamont sin (2008) no le hacen sombra al primer disco, pero si complementan una sólida estructura de rolas que suenan muy tronadas y con mucho poder para tocarlas en vivo. Es claro que es una banda que ha nacido para estar de gira, el frontman Jake Cavaliere luego de tocar con bandas como los míticos fuzztones o la banda de culto de los 90`s los bomboras, debe tener claro que el rock se hace tocando en pequeños clubes en California, España, Italia ó México, estando de gira, rodando y sonando atronador, subiéndose sobre su farfisa ó prendiéndole fuego y tocándola al mismo tiempo. De hecho es claro que las rolas de los siguientes discos han nacido de tocar en vivo, de combinar distintos sonidos y reacciones, tienen sudor y mucha cerveza dentro. Así pues el hecho es verles en vivo, es sentir como abren con un cover de joy division (no love lost, igual en el disco the altamont sin abren con ésa rola), y tocan clásicos como split o three, born to lose, action , live fast o cyclone, a pesar de que solo tenían una guitarra y que de pronto se notaba el vacío generado por la ausencia de la otra, la intensidad impresa en cada rola lo superaba, igual creo que al bajista le falta un poco aplicarse para estar a la altura del resto de ésos señores con chalecos de motociclista, pero nada que a fuerza de tanto concierto no se le pueda dar. Eso y que bueno, finalmente no tocaron con sus instrumentos, que bien que mal siempre puede ser un factor a tomar en cuenta. Rolas nuevas como the altamont sin y ése sabor a bandas como the chesterfield kings a golpe acelerado blusero y garage a lo mc5, armónica en la mano encaramado sobre el órgano, ó lightning strike en la continuidad de ésa idea de tener grandes riffs sobre los cuales descolgar farfisas siniestras. Rolas así, encajan perfectamente, en un aplísimo set list, que acelera, da una breve pausa y luego explota más arriba de lo que esperabas, a los lords se les debe ver completamente borracho y eufórico, enchamarrado en cuero y dispuesto al intercambio de golpes.
lords of altamont - sin (2008)
creo q tendré q poner al tanto el myspace del programa, www.myspace.com/nuevevolts pero seguro me pondré a ello en éstos días.
The ugly beats
Segunda visita por parte de los de Austin, antes habían visitado la capital mexicana como teloneros en aquella ocasión si no mal recuerdo de los cynics. Bola me los había recomendado sobre manera, uno de los grupos que en vivo impactan aunque ya luego el disco no me gusto tanto. Esa había sido la descripción de mi buen amigo el Bola, acertada, muy acertada. Conseguí las 2 producciones bring on the beats (2005) y take a stand (2007), ambas editadas en la misma compañía que los legendarios The Cynics, get hip. En ambos es notoria la carga de sonidos garage sesenteros, psicodelia a base de farfisas, fuerza y melodía, guitarras que se entrecruzan, una belleza mod para vestir botas altas y saco de terciopelo; sin embargo la fuerza, y velocidad están mucho más presentes en bring on the beats, a decir verdad Take a stand es un disco que aprendí a apreciar hasta después del concierto (en el que me compré una versión en vinil de dicho disco), con un garage más inglés que el heredero del sonido del norte de los estados unidos, a sacudirse con las sincopas del órgano y la velocidad de las guitarras en overdrive. Pero bien, verles en vivo es otra cosa, los discos son un mero referente, uno lastimosamente lejano de lo bien que ejecutan éstos texanos. Primero decir, quizá no éramos más de 25 personas quienes estábamos allí viéndoles, pero aún así tocaron como si estuviesen tratando de convencer a un festival entero (posteriormente platicando con ellos, no se cansan de comentar que están fascinados con México y con tocar aquí). La melodía va por encima de todos, y todos la respetan, pareciera ser la premisa de la banda. Las rolas tienen una, dos líneas melódicas claras, no por ello débiles, por el contrario, fuertes y aceleradas, con una ejecución limpia pero muy prendida. El mastodonte que tienen por batería no esta preocupado por golpear tan fuerte como para romper los parches, sino prefiere fuerza y velocidad para marcar, eso le permite hacer montones de figuras en su batería que cambian muy bien la dirección de las rolas o acentúa la intensidad. Pese a que tocan rapidísimo nunca se pisan, vamos no hay un instrumento tapando a otro, puedes escuchar con claridad las evoluciones de todos, el órgano siempre acompaña y brinca de segundo o tercer plano para dar otra melodía principal, el bajo en ocasiones se convierte en una segunda guitarra líder, aunque queda claro que su papel se encuentra en bajar perfectamente al pie el ritmo de los ugly beats. Las guitarras, que decir de esas dos guitarras?, nunca estáticas, nunca una juega a ser líder y la otra rítmica, ambas son líder, ambas son rítmicas, comparten melodías, una suena la otra le contesta, se entrecruzan, todo ello a 100 km/h, y sin dejar la idea de que se debe cantar por encima de todo eso, un monstruo melódico. Si bien las letras a veces pecan demasiado de ser naive, algunas no van tan melosas, y vamos, eso también tiene su encanto. Aunque sin duda, el platillo principal es la velocidad, fuerza y precisión con la que ejecutan psicodelia pop. Un excelente ejemplo de cuándo una banda no logra captarse en sus discos, es lo que ocurre con los ugly beats y sus dos producciones, que aunque si bien son buenas, ellos en vivo son poca madre.
Acá dejó tanto la grabación en vinyl de take a stand (2007), como su nueva producción, un 45 (2008) que contiene un rola bastante cercana a la visión estridente, acelerada de garage pop que tienen los de Austin, options by the pound.
take a stand grabado desde vinil (2007)
nuevo 45 de los ugly beats (2008)
Glass candy
Han pasado ya sus buenos años desde que glass candy tenía ése sonido synth, rock, oscuro, en dónde la influencia no wave sementera se dejaba sentir en discos como love, love, love (2003), de entonces 5 años a la fecha, un cambio en el sonido, fundar una subsidiaria discográfica, no poca cosa. Aquel love, love, love apareció en la disquera troubleman unlimited, tiempo después Johnny Jewel, tecladista y programador de la banda sería co-fundador junto con Mark Simoneti del subsello Italians do it better. Este hecho no es un asunto menor, junto con la creación del sello, la incorporación de bandas como Chromatics y Farah, glass candy se incorporó a un estilo, un pequeño conglomerado de bandas de Jersey y Portland, que optaban estilísticamente por el regreso de un sonido tan glamoroso, sintético, frío y a la vez sofisticado como el italo disco. Para nadie es un secreto que italians do it better hoy esta encumbrada como una disquera que genera mucha curiosidad e interés por conocer sus próximos lanzamientos, luego del impresionante compilado Alter Dark. El rumor de que venían tanto los chromatics como Glass candy tenía cierto sentido, johnny jewel esta involucrado emocionalmente con alguien de chromatics, y la vocal de glass candy, la canadiense Ida No, también sostiene una relación con alguien de Chromatics, pero bueno la primera decepción fue que sólo viniese glass candy, siendo sincero me agrada mucho más chromatics, en fin, no iba a dejar que eso fuera un impedimento. Luego de un rato salieron los glass candy, y bien?, no sé, no me agrado del todo. Ida No tiene claro su papel de ser entre Olivia Newton-John, Alan Vega de suicide y Deborah Harry. En los videos, las rolas, ahora tengo claro que es la sofisticación lo que me llama del nuevo glass candy, cuando tocan rolas como el cover que le hacen a kraftwerk computer love ó rolas como Last Nite I Met a Costume ó Beatific, todo va bien mientras mantengan ésa aura fría, mientras Ida se dedique a sacarle sonidos neón a su voz, no cuando tratan de prender a la banda; que dicho sea de paso te hace pensar en varias cosas, cómo que hay ciertos asistentes a conciertos o presentaciones en México que les encanta la pose de imperturbables, de yo no me muevo ni un ápice, a ver que pueden hacer ustedes los que tocan para que yo me emocione. Bueno había un sector con ésa actitud, muy pocos, los que rodeábamos a los glass candy tratábamos de movernos, bailar un poco, pero vamos, tampoco es que glass candy sea una banda que te haga bailar desenfrenadamente. En fin, que las arengas de Ida No, por prender a la gente, por hacer que bailasen, de soltar gritos y chillidos, creo que resultó en detrimento del espectáculo, allí donde esperaba ver a un glass candy imperturbable, sólo gran parte del público lo estuvo, allí dónde esperaba ver delicadeza, sofisticación, sólo gritos y un manejo de la programación que trataba de ir fiestero, un concierto breve, lo mejor, que Ida No lanzara copias de su disco B/E/A/T/B/O/X y playeras a los asistentes, a mi me toco un disco, me queda bien claro que los discos de italian do it better son sensacionales, las bandas en vivo, mmmm, hasta ahora solo he visto a glass candy pero no se lo presumiría a nadie.
glass candy - beatbox (2007)
Lords of altamont
Qué es la tercera ocasión en la que vienen?, quizá la cuarta?, eso es lo menos importante, nunca han dado un mal show por lo menos en México (quizá corto si), pero cuando salen a acabar con el cuadro, lo hacen y punto. Los lords poseen uno de mis discos favoritos de la década que esta acercándose a su fin, to hell with lords of altamont (2003), si buscas la definición de que demonios tocan los lords, encontrarás, hard rock, garage, psychodelic rock, punk rock, yo diría, es rock de motociclistas. Duro, peligroso, prendo, anfetamínico y borracho, rock para hombres, así lo definiría un amigo que toca las guitarras en una banda legendaria mexicana del garage. Las siguientes dos entregas discográficas de los lords, tanto lords have mercy (2005), como el nuevísimo the altamont sin (2008) no le hacen sombra al primer disco, pero si complementan una sólida estructura de rolas que suenan muy tronadas y con mucho poder para tocarlas en vivo. Es claro que es una banda que ha nacido para estar de gira, el frontman Jake Cavaliere luego de tocar con bandas como los míticos fuzztones o la banda de culto de los 90`s los bomboras, debe tener claro que el rock se hace tocando en pequeños clubes en California, España, Italia ó México, estando de gira, rodando y sonando atronador, subiéndose sobre su farfisa ó prendiéndole fuego y tocándola al mismo tiempo. De hecho es claro que las rolas de los siguientes discos han nacido de tocar en vivo, de combinar distintos sonidos y reacciones, tienen sudor y mucha cerveza dentro. Así pues el hecho es verles en vivo, es sentir como abren con un cover de joy division (no love lost, igual en el disco the altamont sin abren con ésa rola), y tocan clásicos como split o three, born to lose, action , live fast o cyclone, a pesar de que solo tenían una guitarra y que de pronto se notaba el vacío generado por la ausencia de la otra, la intensidad impresa en cada rola lo superaba, igual creo que al bajista le falta un poco aplicarse para estar a la altura del resto de ésos señores con chalecos de motociclista, pero nada que a fuerza de tanto concierto no se le pueda dar. Eso y que bueno, finalmente no tocaron con sus instrumentos, que bien que mal siempre puede ser un factor a tomar en cuenta. Rolas nuevas como the altamont sin y ése sabor a bandas como the chesterfield kings a golpe acelerado blusero y garage a lo mc5, armónica en la mano encaramado sobre el órgano, ó lightning strike en la continuidad de ésa idea de tener grandes riffs sobre los cuales descolgar farfisas siniestras. Rolas así, encajan perfectamente, en un aplísimo set list, que acelera, da una breve pausa y luego explota más arriba de lo que esperabas, a los lords se les debe ver completamente borracho y eufórico, enchamarrado en cuero y dispuesto al intercambio de golpes.
lords of altamont - sin (2008)
creo q tendré q poner al tanto el myspace del programa, www.myspace.com/nuevevolts pero seguro me pondré a ello en éstos días.
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miércoles, septiembre 10, 2008
un ex alumno mío, gabo, me invitó a participar en una conferencia sobre música y literatura en la feria del libro politécnico. preparè mi txt para ése día, el sábado pasado para ser exactos, acá les dejó lo q leí ése día.
La interacción entre música y literatura es bastísima, obras literarias adaptadas a piezas musicales fue moneda corriente en la composición de óperas, pero al mismo tiempo piezas musicales han servido como eje en la creación de letra impresa, basta mencionar que durante el siglo pasado nació junto con el quehacer periodístico, el género de la reseña. Sin embargo quiero referirme a escritores de ciencia ficción radical y dentro de un momento en particular de la música contemporánea, el postpunk. Suele ubicársele en la gran bretaña entre 1978 y 1982. Después del cisma provocado por la revolución punk del do it yourself, quedaba claro que luego de menos de año y medio, la revolución se acartonaba a ritmo de 3 acordes y reclamos cada vez menos y menos inteligentes acerca de la situación sociopolítica que desembocaría en 10 años de gobierno torie. A diferencia de su contraparte neoyorkina, la no wave, el punk carecía de ésa vena intrínseca que los neo yorkinos volcaban hacia la poesía yonky y maltrecha, tradición que nació extrañamente por el gusto a dylan thomas por parte de los 4 tipos vestidos de cuero que llamados velvet underground en honor a una novela sadomasoquista, quienes dieran el banderazo de salida a un NY que no entendería los movimientos musicales de avanzada sin el respaldo de la literatura, bueno, a excepción de los Ramones, y fueron justo ellos el modelo a seguir por parte de los británicos. Así que no es de extrañar, que el punk británico tuviése ése sentido ramplón y condescendiente tan ramoniano. Bueno esto sólo fue en un principio, si parecía una cuestión punk el atreverse a tocar aún sin ser capaz de articular coherentemente las ideas propias ni en letras, ni melódicamente, ello se vio como un valor intrínseco del nuevo movimiento. Se veía como una cuestión de honestidad, de mostrar que no se era un virtuoso acartonado como la generación que directamente les precedía, así se puso en marcha la maquinaria punk que habría de sacudir y de funcionar de revulsivo a la industria disquera, pero hasta allí con ello. Sin duda lo más interesante estará por venir al incorporar a ése sentido de la DIY, a ése tornado energético, elementos mucho más interesantes que el reclamo social a bocajarro, palabrotas incluidas. Y sin duda la incorporación de los estudiantes de artes, letras y otros autodidactas a la música popular funcionó para crear el que hasta el momento es considerado como el período más fértil dentro de la historia de la música popular, el post punk.
La renovación temática, ideológica, lo político es personal y lo personal es político, la renovación de la mano del saqueo sistemático a las tendencias ideológicas y artísticas del siglo XX, del surrealismo y dada, a fluxus. A la recuperación de aquellos que les precedieron y que sin duda habían encontrado las palabras justas en circunstancias revoltosas y caóticas justo como las que ellos vivían en ése momento. Los letristas absorbieron la ciencia ficción radical de Burroughs, Ballard y Philip Dick, las técnicas de collage y cut-up fueron trasladadas a la música, Escritores que habrían de reventar nuestra concepción de la belleza, de aquello que la humanidad es, escritores que fueron pieza clave, quizá podrían sumar a Burguess, yo prefiero no hacerlo.
letristas como –Ian Curtis de Joy Division, Howard Devoto de Magazine, Paul Haig de Josef K- habían avanzado hacia los malestares sombríos y las angustias paralizantes de Dostoevsky, Kafka, Conrad y Beckett. Sus canciones eran como mini-novelas de tres minutos que abordaban los dilemas existencialistas clásicos: la lucha y la agonía de tener un “yo”; el amor contra el aislamiento; lo absurdo de la existencia; la capacidad humana para la perversión y el rencor.
así es posible seguir la pista de éstos escritores dentro de la música de Throbbing gristle, gang of four, joy division, the fall, wire. Quienes recreaban atmósferas lo suficientemente asfixiantes y hermosas que replanteaban del todo el sentido de la revolución punk que les precedía. Si el punk tenía la energía situacionista, simplemente era tiempo de agregarle un discurso mucho más ambicioso e inteligente, y en parte se logró al integrar la visión de éstos dos escritores dentro de los discursos musicales de la época.
Hablemos en particular de la conexión burroughs – música industrial, para genesis p orridge, líder y fundador de throbbing gristle, la música era sólo un vehículo de provocación, heredero del movimiento fluxus, y el ritualismo sangriento de los performance del accionismo vienés, genésis es a menudo catalogado como el personaje más intelectualizado de aquella escena musical inglesa. Sostenía relaciones vía postal igual con performanceros austriacos, contemporáneos suyos como mark e. smith (el gran autodidacta detrás de ése pedazo de banda llamado the fall) ò con ian curtis, así mismo con escritores de la talla de William Burroughs. Fue justamente ésa relación postal la que habría de derivar en una serie de discos de culto hoy en día. Genesis junto con el resto del clan throbbing gristle, habrían de fundar la primera disquera independiente de la historia contemporánea, industrial records. Concebida como una vía de impresión terrorista, un sabotaje al sistema discográfico y a la sociedad en general. En industrial records solo tendrían cabida proyectos arriesgados, que contribuyeran al sabotaje cultural, obvio los throbbing habrían de autoeditarse allí, pero también proyectos afines que rondaban la música industrial, y quién fuese influencia temática, estructural, influencia definitiva en ésa naciente escena industrial y en sus herederas, el propio Burroughs. Genesis le convenció de grabar un relato, y posteriormente editarlo bajo los principios básicos del cut up, y paste in, ejes de gran parte de la literatura burroughsiana. Así nace "Nothing Here Now But The Recordings" la primera incursión de old bill en el mundo discográfico, la primera de muchísimas, q le llevarían a colaborar mezclando su spoken word, con las artes sonoras de gente como gus van sant, kurt cobain o ministry. Sin duda como obra sonora, la que llevo a cabo con gus van sant es la más completa, basándose en un texto llamado elvis of letters, crearon un disco homónimo, plagado de cacofonías, de efectos siniestros sobre un dub fantasmal, ad hoc con el texto que habla sobre un elvis olvidado en el medio oeste, perdido entre películas pornográficas que se incendian en tonos sepias.
El post punk constituyó un acceso muy distinto que el NY beatnik para la obra de bill burroughs, lo acercó y porque no decirlo?, lo mitifico aún más.
En el caso de la influencia ejercida por la clásica trilogía de J. G. Ballard de los ´70: Crash, La isla de cemento y Rascacielos. Asimismo, sus cuentos anteriores y novelas de cataclismos conjuran una inquietante belleza inhumana, con sus paisajes desolados: pistas de aterrizaje abandonadas, pantanos resecos, ciudades desiertas. En las entrevistas, Ballard hablaba de “la magia y la poesía que uno siente cuando mira una chatarrería llena de lavarropas viejos o autos destrozados, o un barco antiguo pudriéndose en un puerto en desuso... Una magia y un misterio enormes rodean a este tipo de objetos.” Pere Ubu y Joy Division compusieron música que capturó la particular belleza ballardiana de sus ciudades de origen. Una música configurada a partir de la experiencia de vivir en Cleveland o Manchester en los ´70 pero a la vez imposible de reducir por completo a un tiempo y un espacio determinados. Un sonido situado en la frontera entre cierta especificidad histórico-geográfica y anhelos y temores intemporales y universales.
La interacción entre música y literatura es bastísima, obras literarias adaptadas a piezas musicales fue moneda corriente en la composición de óperas, pero al mismo tiempo piezas musicales han servido como eje en la creación de letra impresa, basta mencionar que durante el siglo pasado nació junto con el quehacer periodístico, el género de la reseña. Sin embargo quiero referirme a escritores de ciencia ficción radical y dentro de un momento en particular de la música contemporánea, el postpunk. Suele ubicársele en la gran bretaña entre 1978 y 1982. Después del cisma provocado por la revolución punk del do it yourself, quedaba claro que luego de menos de año y medio, la revolución se acartonaba a ritmo de 3 acordes y reclamos cada vez menos y menos inteligentes acerca de la situación sociopolítica que desembocaría en 10 años de gobierno torie. A diferencia de su contraparte neoyorkina, la no wave, el punk carecía de ésa vena intrínseca que los neo yorkinos volcaban hacia la poesía yonky y maltrecha, tradición que nació extrañamente por el gusto a dylan thomas por parte de los 4 tipos vestidos de cuero que llamados velvet underground en honor a una novela sadomasoquista, quienes dieran el banderazo de salida a un NY que no entendería los movimientos musicales de avanzada sin el respaldo de la literatura, bueno, a excepción de los Ramones, y fueron justo ellos el modelo a seguir por parte de los británicos. Así que no es de extrañar, que el punk británico tuviése ése sentido ramplón y condescendiente tan ramoniano. Bueno esto sólo fue en un principio, si parecía una cuestión punk el atreverse a tocar aún sin ser capaz de articular coherentemente las ideas propias ni en letras, ni melódicamente, ello se vio como un valor intrínseco del nuevo movimiento. Se veía como una cuestión de honestidad, de mostrar que no se era un virtuoso acartonado como la generación que directamente les precedía, así se puso en marcha la maquinaria punk que habría de sacudir y de funcionar de revulsivo a la industria disquera, pero hasta allí con ello. Sin duda lo más interesante estará por venir al incorporar a ése sentido de la DIY, a ése tornado energético, elementos mucho más interesantes que el reclamo social a bocajarro, palabrotas incluidas. Y sin duda la incorporación de los estudiantes de artes, letras y otros autodidactas a la música popular funcionó para crear el que hasta el momento es considerado como el período más fértil dentro de la historia de la música popular, el post punk.
La renovación temática, ideológica, lo político es personal y lo personal es político, la renovación de la mano del saqueo sistemático a las tendencias ideológicas y artísticas del siglo XX, del surrealismo y dada, a fluxus. A la recuperación de aquellos que les precedieron y que sin duda habían encontrado las palabras justas en circunstancias revoltosas y caóticas justo como las que ellos vivían en ése momento. Los letristas absorbieron la ciencia ficción radical de Burroughs, Ballard y Philip Dick, las técnicas de collage y cut-up fueron trasladadas a la música, Escritores que habrían de reventar nuestra concepción de la belleza, de aquello que la humanidad es, escritores que fueron pieza clave, quizá podrían sumar a Burguess, yo prefiero no hacerlo.
letristas como –Ian Curtis de Joy Division, Howard Devoto de Magazine, Paul Haig de Josef K- habían avanzado hacia los malestares sombríos y las angustias paralizantes de Dostoevsky, Kafka, Conrad y Beckett. Sus canciones eran como mini-novelas de tres minutos que abordaban los dilemas existencialistas clásicos: la lucha y la agonía de tener un “yo”; el amor contra el aislamiento; lo absurdo de la existencia; la capacidad humana para la perversión y el rencor.
así es posible seguir la pista de éstos escritores dentro de la música de Throbbing gristle, gang of four, joy division, the fall, wire. Quienes recreaban atmósferas lo suficientemente asfixiantes y hermosas que replanteaban del todo el sentido de la revolución punk que les precedía. Si el punk tenía la energía situacionista, simplemente era tiempo de agregarle un discurso mucho más ambicioso e inteligente, y en parte se logró al integrar la visión de éstos dos escritores dentro de los discursos musicales de la época.
Hablemos en particular de la conexión burroughs – música industrial, para genesis p orridge, líder y fundador de throbbing gristle, la música era sólo un vehículo de provocación, heredero del movimiento fluxus, y el ritualismo sangriento de los performance del accionismo vienés, genésis es a menudo catalogado como el personaje más intelectualizado de aquella escena musical inglesa. Sostenía relaciones vía postal igual con performanceros austriacos, contemporáneos suyos como mark e. smith (el gran autodidacta detrás de ése pedazo de banda llamado the fall) ò con ian curtis, así mismo con escritores de la talla de William Burroughs. Fue justamente ésa relación postal la que habría de derivar en una serie de discos de culto hoy en día. Genesis junto con el resto del clan throbbing gristle, habrían de fundar la primera disquera independiente de la historia contemporánea, industrial records. Concebida como una vía de impresión terrorista, un sabotaje al sistema discográfico y a la sociedad en general. En industrial records solo tendrían cabida proyectos arriesgados, que contribuyeran al sabotaje cultural, obvio los throbbing habrían de autoeditarse allí, pero también proyectos afines que rondaban la música industrial, y quién fuese influencia temática, estructural, influencia definitiva en ésa naciente escena industrial y en sus herederas, el propio Burroughs. Genesis le convenció de grabar un relato, y posteriormente editarlo bajo los principios básicos del cut up, y paste in, ejes de gran parte de la literatura burroughsiana. Así nace "Nothing Here Now But The Recordings" la primera incursión de old bill en el mundo discográfico, la primera de muchísimas, q le llevarían a colaborar mezclando su spoken word, con las artes sonoras de gente como gus van sant, kurt cobain o ministry. Sin duda como obra sonora, la que llevo a cabo con gus van sant es la más completa, basándose en un texto llamado elvis of letters, crearon un disco homónimo, plagado de cacofonías, de efectos siniestros sobre un dub fantasmal, ad hoc con el texto que habla sobre un elvis olvidado en el medio oeste, perdido entre películas pornográficas que se incendian en tonos sepias.
El post punk constituyó un acceso muy distinto que el NY beatnik para la obra de bill burroughs, lo acercó y porque no decirlo?, lo mitifico aún más.
En el caso de la influencia ejercida por la clásica trilogía de J. G. Ballard de los ´70: Crash, La isla de cemento y Rascacielos. Asimismo, sus cuentos anteriores y novelas de cataclismos conjuran una inquietante belleza inhumana, con sus paisajes desolados: pistas de aterrizaje abandonadas, pantanos resecos, ciudades desiertas. En las entrevistas, Ballard hablaba de “la magia y la poesía que uno siente cuando mira una chatarrería llena de lavarropas viejos o autos destrozados, o un barco antiguo pudriéndose en un puerto en desuso... Una magia y un misterio enormes rodean a este tipo de objetos.” Pere Ubu y Joy Division compusieron música que capturó la particular belleza ballardiana de sus ciudades de origen. Una música configurada a partir de la experiencia de vivir en Cleveland o Manchester en los ´70 pero a la vez imposible de reducir por completo a un tiempo y un espacio determinados. Un sonido situado en la frontera entre cierta especificidad histórico-geográfica y anhelos y temores intemporales y universales.
viernes, julio 18, 2008
The tacits – iron bridge
Si el original movimiento post-punk generado entre 1978 y 1984 fue un saqueo sistemático de las expresiones artísticas modernistas de principios de siglo XX, no cabe duda que los inicios de éste siglo han comenzado con un saqueo musical de aquel movimiento post-punk. Todo vale mientras posea energía, y energía posee éste disco de los poblanos The tacits, energía y revival post punk. De los guitarrazos cavernosos de rock crudo a lo the Stooges, del riff que erige la arquitectura de sleeping faces en la cual paulatinamente la guitarra es desplazada por un sax que estará presente durante todo el disco, ambientando y buscando zarandearte. Saxofón que podríamos llamar incendiario, un guiño a James Chance, un guiño más al post punk, pero al mismo tiempo recuerda a la no wave neo yorkina, quizá allí reside la bruma que despiden rolas como blameless ó untitled, oscuridad citadina, noches lluviosas, guitarras la mayoría de las veces esqueléticas y nerviosas, con un bajo que no huye al protagonismo, que incluso lo persigue, lo forza, lo exige, mientras las figuras de batería son maquinales y perfectas para los increcentos que sugieren la mayor parte de las veces las guitarras y ése saxo que no se cansa de colocarlos en ciudades brumosas a principios de los 80s; podría formar sin duda parte de un soundtrack imaginario para aquel documental clave sobre la nueva york de principios de los 80`s y su figura central Jean Michel Basquiat, downtown 81. La voz de the tacits es un handicap en contra que logran superar, el timbre es tremendamente común entre las bandas mexicanas de “rock”, y sin en cambio logra encontrar un lugar seguro en el cual apostarse, un poco a fuerza de sonar a rock borracho, un poco a fuerza de no arriesgar más de lo necesario, en parte lo consigue aceptablemente. Un disco breve energético, eso quisieran que pensemos, pero no musculoso, incluso podríamos decir que la peligrosidad y lo incendiario que posee esta contenido, lo cierto es que es un cachorro juguetón con el que no te cansas de jugar. Un muy buen disco para hacerte el miércoles por la noche de unas cervezas y escucharlo de un jalón fumándote un porro en casa de algún amigo, sin duda no estaré feliz hasta poder escucharles en vivo, ya de mientras me han animado las últimas semanas.
http://rapidshare.com/files/130774334/the_tacits_-_iron_bridge_o.rar.html
Si el original movimiento post-punk generado entre 1978 y 1984 fue un saqueo sistemático de las expresiones artísticas modernistas de principios de siglo XX, no cabe duda que los inicios de éste siglo han comenzado con un saqueo musical de aquel movimiento post-punk. Todo vale mientras posea energía, y energía posee éste disco de los poblanos The tacits, energía y revival post punk. De los guitarrazos cavernosos de rock crudo a lo the Stooges, del riff que erige la arquitectura de sleeping faces en la cual paulatinamente la guitarra es desplazada por un sax que estará presente durante todo el disco, ambientando y buscando zarandearte. Saxofón que podríamos llamar incendiario, un guiño a James Chance, un guiño más al post punk, pero al mismo tiempo recuerda a la no wave neo yorkina, quizá allí reside la bruma que despiden rolas como blameless ó untitled, oscuridad citadina, noches lluviosas, guitarras la mayoría de las veces esqueléticas y nerviosas, con un bajo que no huye al protagonismo, que incluso lo persigue, lo forza, lo exige, mientras las figuras de batería son maquinales y perfectas para los increcentos que sugieren la mayor parte de las veces las guitarras y ése saxo que no se cansa de colocarlos en ciudades brumosas a principios de los 80s; podría formar sin duda parte de un soundtrack imaginario para aquel documental clave sobre la nueva york de principios de los 80`s y su figura central Jean Michel Basquiat, downtown 81. La voz de the tacits es un handicap en contra que logran superar, el timbre es tremendamente común entre las bandas mexicanas de “rock”, y sin en cambio logra encontrar un lugar seguro en el cual apostarse, un poco a fuerza de sonar a rock borracho, un poco a fuerza de no arriesgar más de lo necesario, en parte lo consigue aceptablemente. Un disco breve energético, eso quisieran que pensemos, pero no musculoso, incluso podríamos decir que la peligrosidad y lo incendiario que posee esta contenido, lo cierto es que es un cachorro juguetón con el que no te cansas de jugar. Un muy buen disco para hacerte el miércoles por la noche de unas cervezas y escucharlo de un jalón fumándote un porro en casa de algún amigo, sin duda no estaré feliz hasta poder escucharles en vivo, ya de mientras me han animado las últimas semanas.
http://rapidshare.com/files/130774334/the_tacits_-_iron_bridge_o.rar.html
Etiquetas: the tacits
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